10 professioni creative più richieste nel 2018

Tipologia dell'esercizio: Relazione

Aggiunto: oggi alle 8:28

10 figure professionali del settore creativo che saranno richieste nel 2018

In Italia questo discorso è particolarmente importante, perché il nostro Paese ha una tradizione fortissima nei campi del design, della moda, dell’artigianato di qualità, dell’editoria, della comunicazione visiva e della valorizzazione del patrimonio culturale. Basti pensare al peso di città come Milano per il design e la moda, Firenze per l’artigianato e gli eventi culturali, Torino per l’editoria e l’innovazione, Venezia per l’arte contemporanea, oppure a tutte le realtà diffuse sul territorio che vivono di turismo culturale, mostre, festival, produzioni creative e Made in Italy. In questo contesto, scuole specializzate, accademie, università, ITS e corsi professionalizzanti cercano di formare profili nuovi, più flessibili e più vicini alle richieste del mercato.

La tesi di questo saggio è che nel 2018 le professioni creative più richieste non saranno quelle basate su un talento astratto o su una creatività generica, ma quelle in grado di combinare più dimensioni: visione estetica e senso pratico, cultura e tecnologia, intuizione e lettura dei dati, progettazione e capacità di lavorare in gruppo. Non basta più “avere fantasia”: serve saper trasformare un’idea in un’esperienza, in una campagna, in uno spazio, in un evento o in un contenuto capace di parlare al pubblico.

Prima di analizzare le dieci figure professionali principali, è utile capire perché proprio nel 2018 cresce così tanto la domanda di professionisti creativi. Il primo motivo è la trasformazione del mercato. Oggi i prodotti non si vendono soltanto per la loro utilità materiale: contano il racconto, l’immagine, l’esperienza d’acquisto, l’identità del marchio. Un vestito, un libro, un mobile, una mostra, persino un prodotto alimentare, devono distinguersi in un panorama affollato. Per farlo serve progettazione creativa.

Il secondo motivo è il digitale. I social media, l’e-commerce, i siti web, le campagne online e l’analisi dei comportamenti degli utenti hanno cambiato il modo di comunicare. La creatività contemporanea non vive più separata dalla tecnologia. Al contrario, molte professioni nascono proprio dall’incontro tra competenze tecniche e sensibilità artistica. È una situazione che ricorda, per certi aspetti, il passaggio alla modernità affrontato dalle avanguardie del Novecento: anche allora gli artisti e i progettisti si trovarono davanti a nuovi mezzi, nuovi ritmi e nuovi pubblici. Oggi i mezzi non sono più la stampa industriale o il manifesto pubblicitario, ma gli schermi, i dati, le piattaforme digitali e le reti sociali.

Infine, c’è il tema della formazione. In Italia il collegamento tra studio e lavoro è decisivo. Non è più sufficiente imparare nozioni teoriche; servono laboratori, portfolio, esperienze pratiche, stage e contatto con aziende e istituzioni culturali. In questo senso, il mondo creativo richiede una preparazione dinamica, molto più vicina alla bottega rinascimentale che alla scuola puramente libresca: si apprende facendo, osservando, correggendo, collaborando.

Le dieci professioni creative più richieste

Molto legata al presente digitale è anche la figura dell’Influencer Strategist. Nel 2018 l’influencer marketing è ormai una realtà consolidata, ma proprio per questo non può essere gestito in modo improvvisato. Non basta affidarsi al personaggio del momento o al numero dei follower. Occorre scegliere volti coerenti con i valori del brand, costruire una narrazione credibile e misurare i risultati. L’Influencer Strategist deve conoscere bene Instagram, YouTube e gli altri canali social, ma deve anche capire la psicologia del pubblico, saper negoziare e leggere gli indici di coinvolgimento. In Italia questa figura è particolarmente richiesta nei settori moda, beauty, food e turismo, dove l’immagine e il racconto personale hanno un grande impatto.

Una terza professione strategica è il Brand Extension and Licensing Manager. Il nome inglese può sembrare complicato, ma il concetto è chiaro: si tratta di chi aiuta un marchio a espandersi in nuovi ambiti attraverso collaborazioni, licenze e progetti speciali. Pensiamo alle capsule collection tra stilisti e aziende, alle collaborazioni tra musei e marchi di design, oppure ai prodotti derivati da un’identità culturale o commerciale già forte. In Italia, dove il valore simbolico del marchio è spesso legato al prestigio del Made in Italy, questa figura può fare la differenza. Serve visione strategica, conoscenza del mercato, sensibilità per la coerenza estetica e anche competenze economiche e giuridiche.

Molto interessante, e forse più originale, è il Vintage System Specialist. Il vintage nel 2018 non è più soltanto una moda passeggera o un gusto nostalgico. È un settore che tocca sostenibilità, ricerca, valorizzazione degli archivi, recupero dei materiali e costruzione di nuove narrazioni estetiche. Chi lavora in questo campo deve conoscere la storia della moda e del design, saper riconoscere l’autenticità e il valore degli oggetti, ma anche inserirli in un racconto contemporaneo. In Italia una figura del genere trova spazio a Milano, Firenze, Roma o Bologna, nei negozi specializzati, nelle fiere, negli archivi di moda e nei progetti di upcycling. Non è un caso che in anni segnati dall’attenzione all’ambiente il riuso creativo acquisti sempre più importanza.

Un’altra professione richiesta è il Retail Designer, cioè colui che progetta lo spazio di vendita come esperienza. Oggi il negozio non è soltanto un luogo in cui si compra: deve raccontare il brand, accogliere, sorprendere, orientare il cliente. Per questo il Retail Designer lavora su materiali, luci, percorsi, arredi, colori, esposizione dei prodotti. In fondo, è una figura che unisce interior design, marketing e psicologia del consumatore. In Italia è richiesta soprattutto nella moda, nel lusso, nel food e nell’arredamento. Basta pensare a quanta attenzione ricevano gli showroom durante il Salone del Mobile di Milano o ai concept store che trasformano l’acquisto in un’esperienza culturale oltre che commerciale.

Vicino al Retail Designer, ma più legato alla temporaneità, troviamo lo Scenografo degli Eventi. Questa figura progetta l’impatto visivo e simbolico di fiere, lanci di prodotto, festival, sfilate, inaugurazioni e presentazioni. Organizzare non basta più: bisogna creare atmosfera, costruire un percorso, dare al pubblico la sensazione di entrare in una storia. Da questo punto di vista, lo scenografo degli eventi lavora come un regista dello spazio. In un Paese come l’Italia, ricchissimo di manifestazioni culturali e commerciali, questa professionalità ha un grande futuro. Si pensi alle settimane della moda, alle fiere di settore come il Vinitaly o il Cosmoprof, agli eventi museali e ai festival letterari o cinematografici. In tutti questi casi, l’esperienza visiva è fondamentale.

La settima figura è l’Illustratore grafico. In un’epoca invasa da immagini standardizzate, l’illustrazione torna a essere un linguaggio distintivo. Le aziende cercano immagini originali per packaging, social media, editoria, pubblicità, siti web, animazioni e campagne speciali. Un illustratore oggi non lavora solo con matite e colori, ma anche con tavolette digitali, software grafici e formati destinati ai diversi schermi. In Italia l’illustrazione ha una tradizione importante, dall’editoria per ragazzi fino ai festival dedicati al disegno e al fumetto. Inoltre molte piccole imprese artigianali o alimentari usano l’illustrazione per comunicare autenticità e riconoscibilità. È un mestiere che richiede fantasia, ma anche disciplina e capacità di interpretare un brief preciso.

Accanto al mondo dell’arte e della cultura si colloca il Curatore di mostre ed eventi artistici. In un Paese che possiede una parte enorme del patrimonio culturale mondiale, questa professione è essenziale. Il curatore non si limita a scegliere opere: costruisce un progetto, stabilisce un tema, pensa al percorso del visitatore, dialoga con artisti, istituzioni, sponsor e pubblico. Le mostre del presente, infatti, non sono semplici raccolte di oggetti da osservare in silenzio; sono esperienze che devono coinvolgere, spiegare, emozionare. In questo senso il curatore deve possedere solide basi di storia dell’arte ma anche competenze organizzative e comunicative. Operare tra musei, fondazioni, festival e spazi indipendenti significa saper tenere insieme rigore culturale e accessibilità.

La nona figura è il Lighting Designer, l’esperto che progetta la luce come elemento funzionale ed espressivo. La luce modifica la percezione di uno spazio, crea atmosfera, mette in risalto un prodotto, valorizza un’opera d’arte, guida il movimento del pubblico. Nei teatri, nei musei, negli showroom, negli allestimenti e nei negozi, il suo contributo è decisivo. Nel 2018, grazie allo sviluppo dei LED e dei sistemi a basso consumo, il lighting design unisce ancora di più estetica e sostenibilità. In Italia questa professione si inserisce perfettamente nella tradizione del design industriale, sempre attento al rapporto tra bellezza e funzione.

Infine, una delle figure più richieste è il Content Designer, o Creative Digital Designer. È il professionista che progetta contenuti per il web: post, campagne, landing page, video brevi, animazioni, storytelling digitale. Oggi quasi nessuna azienda può permettersi una presenza online debole o confusa. Occorrono contenuti coerenti, riconoscibili e adatti ai diversi canali. Chi svolge questo lavoro deve saper scrivere in modo efficace, progettare visivamente, conoscere i social media e avere almeno nozioni di user experience. In Italia una figura del genere è utilissima non solo per agenzie e brand, ma anche per musei, festival, scuole, case editrici online e imprese del turismo.

Che cosa accomuna queste professioni

Un’altra caratteristica comune è la capacità di adattamento. Il mercato cambia in fretta, i software si aggiornano, i gusti del pubblico mutano rapidamente, i linguaggi digitali evolvono quasi ogni mese. Per questo la formazione non può finire con il diploma o con la laurea. Occorre continuare a imparare, seguire workshop, costruire un portfolio, fare esperienze pratiche, confrontarsi con casi reali.

C’è poi il tema del lavoro di squadra. Quasi nessuna di queste professioni si svolge in solitudine. Anche il più talentuoso degli illustratori o il più competente dei curatori deve dialogare con altri. Nel mondo creativo contemporaneo la collaborazione è decisiva quanto il talento individuale.

Le competenze utili per uno studente italiano

Accanto a queste competenze, sono fondamentali le qualità trasversali: problem solving, organizzazione, gestione del tempo, spirito d’iniziativa, capacità di comunicare bene. E poi c’è lo strumento forse più importante di tutti: il portfolio. Nel settore creativo spesso conta più vedere un progetto realizzato che leggere un voto su un certificato. Per questo sono utili tirocini, alternanza scuola-lavoro, partecipazione a fiere, mostre, concorsi, festival e laboratori con aziende.

Conclusione

Per uno studente italiano, conoscere queste professioni significa guardare il mondo del lavoro con maggiore consapevolezza. Vuol dire capire che la creatività, oggi, non è un lusso ma una risorsa concreta. Investire nella formazione giusta può aprire le porte a settori dinamici, competitivi e ricchi di possibilità, soprattutto in un Paese come l’Italia, dove bellezza, cultura e innovazione continuano a rappresentare un patrimonio vivo e spendibile nel presente.